Ursprünge und Schulen der abstrakten Kunst

Abstrakte Kunst (manchmal auch genannt nicht objektive Kunst) ist ein Gemälde oder eine Skulptur, die keine Person, keinen Ort oder keine Sache in der natürlichen Welt darstellt. Bei der abstrakten Kunst ist das Thema der Arbeit das, was Sie sehen: Farbe, Formen, Pinselstriche, Größe, Skalierung und in einigen Fällen der Prozess selbst, wie in Action Painting.

Abstrakte Künstler bemühen sich, nicht objektiv und nicht gegenständlich zu sein, so dass der Betrachter die Bedeutung jedes Kunstwerks auf seine eigene Weise interpretieren kann. Abstrakte Kunst ist also keine übertriebene oder verzerrte Sicht der Welt, wie wir sie in den kubistischen Gemälden von Paul Cézanne (1839–1906) und sehen Pablo Picasso (1881–1973), denn sie präsentieren eine Art konzeptuellen Realismus. Stattdessen werden Form und Farbe zum Fokus und zum Thema des Stückes.

Während einige Leute argumentieren mögen, dass abstrakte Kunst nicht die technischen Fähigkeiten der gegenständlichen Kunst erfordert, würden andere anfangen, sich zu unterscheiden. Es ist in der Tat zu einer der Hauptdebatten in der modernen Kunst geworden. Als russischer abstrakter Künstler

"Von allen Künsten ist die abstrakte Malerei die schwierigste. Es erfordert, dass Sie wissen, wie man gut zeichnet, dass Sie eine erhöhte Sensibilität für Komposition und Farben haben und dass Sie ein wahrer Dichter sind. Letzteres ist wichtig. "

Kunsthistoriker identifizieren typischerweise das frühe 20. Jahrhundert als wichtig historischer Moment in der Geschichte der abstrakten Kunst. Während dieser Zeit arbeiteten Künstler daran, das zu schaffen, was sie als "reine Kunst" definierten: kreative Werke, die nicht auf visuellen Wahrnehmungen, sondern auf der Vorstellungskraft des Künstlers beruhten. Zu den einflussreichen Werken aus dieser Zeit zählen Kandinskys "Picture with a Circle" von 1911 und "Caoutchouc", die 1909 vom französischen Avantgarde-Künstler Francis Picabia (1879–1953) geschaffen wurden.

Die Wurzeln der abstrakten Kunst lassen sich jedoch noch viel weiter zurückverfolgen. Künstler, die mit Bewegungen wie dem 19. Jahrhundert verbunden sind Impressionismus und Expressionismus experimentierten mit der Idee, dass Malerei Emotionen und Subjektivität einfangen kann. Es muss sich nicht nur auf scheinbar objektive visuelle Wahrnehmungen konzentrieren. Noch weiter zurückgehend haben viele alte Felsmalereien, Textilmuster und Keramikdesigns eine symbolische Realität eingefangen, anstatt zu versuchen, Objekte so zu präsentieren, wie wir sie sehen.

Kandinsky wird oft als einer der einflussreichsten abstrakten Künstler angesehen. Ein Blick darauf, wie sich sein Stil im Laufe der Jahre von der gegenständlichen zur reinen abstrakten Kunst entwickelte, ist ein faszinierender Blick auf die Bewegung im Allgemeinen. Kandinsky selbst war geschickt darin zu erklären, wie ein abstrakter Künstler Farbe verwenden kann, um einen scheinbar bedeutungslosen Arbeitszweck zu geben.

Kandinsky glaubte, dass Farben Emotionen hervorrufen. Rot war lebhaft und selbstbewusst; Grün war friedlich mit innerer Kraft; Blau war tief und übernatürlich; Gelb kann warm, aufregend, verstörend oder total verrückt sein; und weiß schien still, aber voller Möglichkeiten. Er wies auch Instrumententöne zu jeder Farbe zu. Rot klang wie eine Trompete; Grün klang wie eine Geige in mittlerer Position; hellblau klang wie eine Flöte; dunkelblau klang wie ein Cello, gelb klang wie eine Trompetenfanfare; Weiß klang wie die Pause in einer harmonischen Melodie.

Diese Analogien zu Klängen stammten aus Kandinskys Wertschätzung für Musik, insbesondere aus den Werken des zeitgenössischen Wiener Komponisten Arnold Schönberg (1874–1951). Kandinskys Titel beziehen sich oft auf die Farben in der Komposition oder auf Musik, zum Beispiel "Improvisation 28" und "Zusammensetzung II".

Der französische Künstler Robert Delaunay (1885–1941) gehörte zu Kandinskys Blue Rider (Die Blaue Reiter) Gruppe. Mit seiner Frau, der in Russland geborenen Sonia Delaunay-Turk (1885–1979), tendierten beide in ihrer eigenen Bewegung zur Abstraktion. Orphismus oder Orphischer Kubismus.

"Abstrakte Kunst" ist heute oft ein Überbegriff, der eine breite Palette von Stilen und Kunstbewegungen umfasst. Darunter sind enthalten nichtrepräsentative Kunst, nicht objektive Kunst, abstrakter Expressionismus, Kunst informel (eine Form der Gestik) und sogar einige op art (Optische Kunst, die sich auf Kunst bezieht, die optische Täuschungen nutzt). Abstrakte Kunst kann gestisch, geometrisch, fließend oder figurativ sein - was Dinge impliziert, die nicht visuell sind, wie Emotionen, Klang oder Spiritualität.

Während wir abstrakte Kunst eher mit Malerei und Skulptur assoziieren, kann sie auf jedes visuelle Medium angewendet werden, einschließlich Montage und Fotografie. Es sind jedoch die Maler, die in dieser Bewegung die größte Aufmerksamkeit erhalten. Es gibt viele bemerkenswerte Künstler, die die verschiedenen Ansätze der abstrakten Kunst vertreten und die die moderne Kunst maßgeblich beeinflusst haben.

• Carlo Carrà (1881–1966) war ein italienischer Maler, der vor allem für seine Arbeit im Futurismus bekannt war, einer Form der abstrakten Kunst, die die Energie und die sich schnell verändernde Technologie des frühen 20. Jahrhunderts betonte. Im Laufe seiner Karriere hat er arbeitete im Kubismus Auch viele seiner Bilder waren Abstraktionen der Realität. Sein Manifest, "Malen von Geräuschen, Geräuschen und Gerüchen" (1913) beeinflusste viele abstrakte Künstler. Es erklärt seine Faszination für die Synästhesie, eine sensorische Überkreuzung, bei der man beispielsweise eine Farbe "riecht", die das Herzstück vieler abstrakter Kunstwerke ist.
• Umberto Boccioni (1882–1916) war ein weiterer italienischer Futurist, der sich auf geometrische Formen konzentrierte und stark vom Kubismus beeinflusst war. Seine Arbeit zeigt oft körperliche Bewegung, wie in zu sehen ist "Geisteszustände" (1911). Diese Serie von drei Gemälden fängt eher die Bewegung und Emotionen eines Bahnhofs ein als die physische Darstellung von Fahrgästen und Zügen.
• Kasimir Malewitsch (1878–1935) war ein russischer Maler, den viele als Pionier der geometrischen abstrakten Kunst bezeichnen. Eines seiner bekanntesten Werke ist "Schwarzes Quadrat" (1915). Es ist simpel, aber für Kunsthistoriker absolut faszinierend, denn laut einer Analyse der Tate heißt es: "Es ist das erste Mal, dass jemand ein Gemälde gemalt hat, das nichts war."
• Jackson Pollock (1912–1956), ein amerikanischer Maler, wird oft als ideale Darstellung von angegeben Abstrakter Expressionismusoder Action Painting. Seine Arbeit ist mehr als nur Tropfen und Farbtupfer auf Leinwand, sondern voll gestisch und rhythmisch und verwendet oft sehr ungewöhnliche Techniken. Zum Beispiel, "Full Fathom Five" (1947) ist ein Öl auf Leinwand, das teilweise mit Reißnägeln, Münzen, Zigaretten und vielem mehr hergestellt wurde. Einige seiner Arbeiten, wie z "Es gab sieben in acht" (1945) sind riesig und erstrecken sich über acht Fuß in der Breite.
• Mark Rothko (1903–1970) brachte die geometrischen Zusammenfassungen von Malewitsch mit der Farbfeldmalerei auf eine neue Ebene der Moderne. Dieser amerikanische Maler stieg in den 1940er Jahren auf und vereinfachte die Farbe zu einem eigenständigen Thema, wodurch die abstrakte Kunst für die nächste Generation neu definiert wurde. Seine Bilder, wie "Four Darks in Red" (1958) und "Orange, Rot und Gelb" (1961)sind für ihren Stil ebenso bemerkenswert wie für ihre Größe.