Eine kurze Tour durch die Kunst durch die Zeitalter

Ziehen Sie Ihre vernünftigen Schuhe an, während wir uns auf den Weg machen äußerst abgekürzte Kunstreise durch die Jahrhunderte. Der Zweck dieses Stücks ist es, die Höhepunkte zu treffen und Ihnen die Grundlagen der verschiedenen Epochen der Kunstgeschichte zu vermitteln.

Paläolithisch Die Völker waren ausschließlich Jäger und Sammler, und das Leben war hart. Der Mensch machte einen gigantischen Sprung im abstrakten Denken und begann in dieser Zeit, Kunst zu schaffen. Das Thema konzentrierte sich auf zwei Dinge: Essen und die Notwendigkeit, mehr Menschen zu schaffen.

Das Eis begann sich zurückzuziehen und das Leben wurde etwas einfacher. Das Mittelsteinzeit (was in Nordeuropa länger dauerte als im Nahen Osten) sah, wie sich die Malerei aus den Höhlen auf Felsen bewegte. Die Malerei wurde auch symbolischer und abstrakter.

Schneller Vorlauf zum Jungsteinzeit, komplett mit Landwirtschaft und domestizierten Tieren. Jetzt, da es mehr zu essen gab, hatten die Leute Zeit, nützliche Werkzeuge wie Schreiben und Messen zu erfinden. Das Messteil muss für die Megalithbauer nützlich gewesen sein.

Es ist anzumerken, dass die Kunst der "Steinzeit" bis heute für eine Reihe von Kulturen auf der ganzen Welt florierte. "Ethnographisch" ist ein praktischer Begriff, der hier bedeutet: "Nicht den Weg der westlichen Kunst gehen."

Im "Land zwischen den Flüssen" stieg eine erstaunliche Anzahl von Kulturen zur Macht auf und fiel von ihr ab. Das Sumerer gab uns Zikkurate, Tempel und viele Skulpturen von Göttern. Noch wichtiger ist, dass sie natürliche und formale Elemente in der Kunst vereinten. Das Akkadier stellte die Siegesstele vor, deren Schnitzereien uns für immer an ihre Kampfkraft erinnern. Das Babylonier verbesserte die Stele und verwendete sie, um den ersten einheitlichen Gesetzeskodex aufzuzeichnen. Das Assyrer lief wild mit Architektur und Skulptur, sowohl im Relief als auch in der Runde. Schließlich war es das Perser die das ganze Gebiet - und seine Kunst - auf die Karte setzten, als sie angrenzende Länder eroberten.

Kunst im alten Ägypten war Kunst für die Toten. Die Ägypter bauten Gräber, Pyramiden (kunstvolle Gräber) und die Sphinx (auch ein Grab) und schmückten sie mit farbenfrohen Bildern der Götter, von denen sie glaubten, dass sie im Jenseits regierten.

Das Minoisch Kultur, auf Kreta und die Mykener in Griechenland brachte uns Fresken, offene und luftige Architektur und Marmoridole.

Die Griechen führten eine humanistische Erziehung ein, die sich in ihrer Kunst widerspiegelt. Keramik, Malerei, Architektur und Skulptur entwickelten sich zu kunstvollen, hochgearbeiteten und dekorierten Objekten, die die größte Schöpfung von allen verherrlichten: den Menschen.

Auf der italienischen Halbinsel umarmten die Etrusker die Bronzezeit im großen und ganzen Skulpturen zu produzieren, die sich durch Stilisierung, Ornamentik und implizite Bewegung auszeichnen. Sie waren auch begeisterte Produzenten von Gräbern und Sarkophagen, ähnlich wie die Ägypter.

Als sie an Bedeutung gewannen, versuchten die Römer zunächst, sie auszulöschen Etruskische Kunst, gefolgt von zahlreichen Angriffen auf Griechische Kunst. Die Römer liehen sich frei von diesen beiden eroberten Kulturen aus und kreierten ihren eigenen Stil, für den sie zunehmend standen Leistung. Architektur wurde monumental, Skulpturen wurden in umbenannte Götter, Göttinnen und prominente Bürger dargestellt, und in der Malerei wurde die Landschaft eingeführt und die Fresken wurden riesig.

Die frühchristliche Kunst fällt in zwei Kategorien: die der Verfolgungsperiode (bis zum Jahr 323) und die nachfolgende Konstantin der Große anerkanntes Christentum: die Periode der Anerkennung. Die erste ist vor allem für den Bau von Katakomben und tragbaren Kunstwerken bekannt, die versteckt werden könnten. Die zweite Periode ist geprägt vom aktiven Bau von Kirchen, Mosaiken und dem Aufstieg der Buchmacherei. Die Skulptur wurde nur zu Reliefarbeiten herabgestuft - alles andere wäre als "geschnitzte Bilder" angesehen worden.

Kein abrupter Übergang, wie die Daten andeuten, der byzantinische Stil weicht allmählich von der frühchristlichen Kunst ab, ebenso wie die Ostkirche weiter vom Westen entfernt wurde. Die byzantinische Kunst zeichnet sich dadurch aus, dass sie abstrakter und symbolischer ist und sich weniger mit dem Vorwand der Tiefe - oder der Schwerkraft - befasst, der in Gemälden oder Mosaiken sichtbar wird. Die Architektur wurde ziemlich kompliziert und Kuppeln überwogen.

Bis heute ist die islamische Kunst dafür bekannt, sehr dekorativ zu sein. Seine Motive lassen sich wunderbar von einem Kelch über einen Teppich bis zur Alhambra übertragen. Der Islam hat Verbote gegen Götzendienst, daher haben wir wenig Bildgeschichte.

Diese Jahre waren in Europa ziemlich chaotisch, als Barbarenstämme Orte suchten (und suchten und suchten), an denen sie sich niederlassen konnten. Häufige Kriege brachen aus und ständige ethnische Umsiedlungen waren die Norm. Kunst war in dieser Zeit notwendigerweise klein und tragbar, normalerweise in Form von dekorativen Stiften oder Armbändern. Die glänzende Ausnahme von diesem "dunklen" Zeitalter in der Kunst gab es in Irland, das das große Glück hatte, der Invasion zu entkommen. Eine Zeitlang.

Karl der Große baute ein Reich auf, das seine strittigen und unfähigen Enkel nicht überdauerte, aber die kulturelle Wiederbelebung, die das Reich hervorbrachte, erwies sich als dauerhafter. Klöster wurden zu kleinen Städten, in denen Manuskripte in Massenproduktion hergestellt wurden. Goldschmiedekunst und die Verwendung von Edel- und Halbedelsteinen waren im Trend.

Das Sächsisch König Otto I. entschied, dass er dort Erfolg haben könnte, wo Karl der Große versagte. Das hat auch nicht geklappt, aber die ottonische Kunst mit ihren starken byzantinischen Einflüssen hauchte Skulptur, Architektur und Metallarbeiten neues Leben ein.

Zum ersten Mal in der Geschichte wird Kunst durch einen Begriff beschrieben andere als der Name einer Kultur oder Zivilisation. Europa wurde mehr zu einer zusammenhängenden Einheit, die vom Christentum und vom Feudalismus zusammengehalten wurde. Die Erfindung des Tonnengewölbes ermöglichte es den Kirchen, Kathedralen zu werden, und die Skulptur wurde ein wesentlicher Bestandteil der Architektur. In der Zwischenzeit wurde hauptsächlich in illuminierten Manuskripten gemalt.

"Gothic" wurde zuerst geprägt, um (abfällig) den Architekturstil dieser Epoche zu beschreiben, der lange nach dem Ausscheiden von Skulptur und Malerei weiter tuckerte. Das gotischer Bogen ermöglichte den Bau großer, hoch aufragender Kathedralen, die dann mit der neuen Technologie der Glasmalerei dekoriert wurden. Auch in dieser Zeit lernen wir mehr individuelle Namen von Malern und Bildhauern kennen - die meisten scheinen darauf bedacht zu sein, alles Gotische hinter sich zu lassen. In der Tat, ab etwa 1200, alle Arten von wilden künstlerischen Innovationen begannen in Italien.

Das war der Goldenes Zeitalter von Florenz. Seine mächtigste Familie, die Medici (Banker und wohlwollende Diktatoren), gaben verschwenderisch endlose Mittel für den Ruhm und die Verschönerung ihrer Republik aus. Künstler strömten für einen Teil der Größe herein und bauten, modellierten, malten und begannen schließlich, "Regeln" der Kunst aktiv in Frage zu stellen. Die Kunst wiederum wurde spürbar individueller.

Alle anerkannten Meisterwerke aus der Pauschale "Renaissance"wurden in diesen Jahren erstellt. Leonardo, Michelangelo, Raphael und Company machten solche übertreffen Meisterwerke, die fast jeder Künstler für immer nicht einmal gemacht hat Versuchen in diesem Stil zu malen. Die gute Nachricht war, dass aus diesen Gründen Renaissance-GrößenKünstler zu sein galt nun als akzeptabel.

Hier haben wir noch eine erste: eine abstrakt Bezeichnung für eine künstlerische Ära. Nach dem Tod Raffaels verfeinerten die Künstler der Renaissance die Malerei und Skulptur weiter. aber Sie suchten keinen eigenen neuen Stil. Stattdessen haben sie in der technischen erstellt Weise ihrer Vorgänger.

Eine Renaissance fand anderswo in Europa statt, jedoch nicht in klar definierten Schritten wie in Italien. Länder und Königreiche waren damit beschäftigt, um Bekanntheit zu kämpfen (Kämpfe), und es gab diesen bemerkenswerten Bruch mit der katholischen Kirche. Die Kunst trat in den Hintergrund dieser anderen Ereignisse, und die Stile wechselten von der Gotik zur Renaissance zum Barock in einer Art nicht zusammenhängender, künstlerischer Basis.

Humanismus, Renaissance und Reformation (unter anderem) arbeiteten zusammen, um das Mittelalter für immer hinter sich zu lassen, und Kunst wurde von den Massen akzeptiert. Künstler des Barock führten menschliche Emotionen, Leidenschaft und neues wissenschaftliches Verständnis ein ihre Werke - von denen viele religiöse Themen behielten, unabhängig davon, welche Kirche den Künstlern am Herzen lag.

In einer Art, die manche für einen schlecht beratenen Schritt halten würden, hat das Rokoko die Barockkunst von der "Augenweide" zur völligen visuellen Völlerei gemacht. Wenn Kunst oder Architektur vergoldet, verschönert oder auf andere Weise über die "Spitze" gebracht werden könnten, fügte Rococo diese Elemente wild hinzu. Als eine Periode war es (gnädig) kurz.

Zu dieser Zeit hatten sich die Dinge so weit gelockert, dass zwei verschiedene Stile um denselben Markt konkurrieren konnten. Der Neoklassizismus zeichnete sich durch ein genaues Studium (und eine Kopie) der Klassiker aus, kombiniert mit der Verwendung von Elementen, die durch die neue Wissenschaft der Archäologie ans Licht gebracht wurden. Die Romantik hingegen widersetzte sich einer einfachen Charakterisierung. Es war eher ein Einstellung- eine, die durch die Aufklärung und den Beginn des sozialen Bewusstseins akzeptabel gemacht wurde. Von diesen beiden hatte die Romantik von diesem Zeitpunkt an einen weitaus größeren Einfluss auf den Kunstverlauf.

Ohne auf die beiden obigen Bewegungen zu achten, ist die Realisten tauchte (zuerst leise, dann ziemlich laut) mit der Überzeugung auf, dass Geschichte keine Bedeutung habe und Künstler nichts rendern sollten, was sie nicht persönlich erlebt hatten. In dem Bestreben, "Dinge" zu erleben, engagierten sie sich für soziale Zwecke und befanden sich, nicht überraschend, oft auf der falschen Seite der Autorität. Die realistische Kunst löste sich zunehmend von der Form und nahm Licht und Farbe an.

Wo sich der Realismus von der Form entfernte, warf der Impressionismus die Form aus dem Fenster. Die Impressionisten machten ihrem Namen alle Ehre (den sie selbst sicherlich nicht geprägt hatten): Kunst war ein Eindruck und konnte als solcher vollständig durch Licht und Farbe wiedergegeben werden. Die Welt war zuerst empört über ihre Unverschämtheit, dann akzeptierte sie. Mit der Akzeptanz kam das Ende des Impressionismus als Bewegung. Mission erfüllt; Die Kunst konnte sich nun frei ausbreiten, wie sie wollte.

Das Impressionisten änderte alles, als ihre Kunst akzeptiert wurde. Von diesem Zeitpunkt an hatten die Künstler freie Hand zum Experimentieren. Auch wenn die Öffentlichkeit die Ergebnisse verabscheute, war es dennoch Kunst und gewährte damit einen gewissen Respekt. Bewegungen, Schulen und Stile - in schwindelerregender Zahl - kamen, gingen, gingen voneinander ab und verschmolzen manchmal.

Es gibt wirklich keine Möglichkeit zuzustimmen alle von diesen Entitäten wird hier sogar kurz erwähnt, so dass wir jetzt nur einige der bekannteren Namen behandeln werden.

Dies ist ein praktischer Titel für etwas, das keine Bewegung war, sondern eine Gruppe von Künstlern (hauptsächlich Cézanne, Van Gogh, Seurat und Gauguin), die sich über den Impressionismus hinaus und anderen getrennten Bestrebungen zuwandten. Sie behielten das Licht und die Farbe des Impressionismus bei, versuchten aber, einige der anderen Elemente zu setzen von Kunst - zum Beispiel Form und Linie - zurück im Kunst.

Die Fauves ("wilde Tiere") waren französische Maler, angeführt von Matisse und Rouault. Die von ihnen geschaffene Bewegung mit ihren wilden Farben und Darstellungen primitiver Objekte und Menschen wurde als Expressionismus bekannt und verbreitete sich insbesondere in Deutschland.

In Frankreich erfanden Picasso und Braque Kubismus, wo organische Formen in eine Reihe von geometrischen Formen zerlegt wurden. Ihre Erfindung würde sich als elementar für die Bauhaus in den kommenden Jahren sowie inspirierend die erste moderne abstrakte Skulptur.

In Italien wurde inzwischen der Futurismus gebildet. Was als literarische Bewegung begann, entwickelte sich zu einem Kunststil, der Maschinen und das Industriezeitalter umfasste.

Surrealismus Es ging darum, die verborgene Bedeutung von Träumen aufzudecken und das Unterbewusstsein auszudrücken. Es war kein Zufall, dass Freud seine bahnbrechenden psychoanalytischen Studien bereits vor der Entstehung dieser Bewegung veröffentlicht hatte.

Der Zweite Weltkrieg (1939–1945) unterbrach alle neuen Bewegungen in der Kunst, aber die Kunst kehrte 1945 mit aller Macht zurück. Aus einer zerrissenen Welt hervorgehen, Abstrakter Expressionismus verwarf alles - einschließlich erkennbarer Formen - außer Selbstausdruck und rohen Emotionen.

Als Reaktion auf den Abstrakten Expressionismus verherrlichte die Pop Art die alltäglichsten Aspekte der amerikanischen Kultur und nannte sie Kunst. Es war Spaß Kunst aber. Und in der "Happening" Mitte der 60er Jahre, Op (eine abgekürzte Bezeichnung für optische Täuschung) Kunst kam gerade rechtzeitig auf die Bühne, um sich gut in die psychedelische Musik einzufügen.

In den letzten Jahren hat sich die Kunst blitzschnell verändert. Wir haben das Aufkommen von gesehen Performancekunst, Konzeptkunst, digitale Kunst und Schockkunst, um nur einige neue Angebote zu nennen.

Ideen in der Kunst werden niemals aufhören, sich zu verändern und voranzutreiben. Auf dem Weg zu einer globaleren Kultur wird uns unsere Kunst jedoch immer an unsere kollektive und jeweilige Vergangenheit erinnern.