54 Berühmte Gemälde berühmter Künstler

Ein berühmter Künstler in Ihrem Leben zu sein, ist keine Garantie dafür, dass sich andere Künstler an Sie erinnern. Haben Sie vom französischen Maler Ernest Meissonier gehört?

Er war Zeitgenosse von Edouard Manet und bei weitem der erfolgreichere Künstler in Bezug auf kritische Anerkennung und Verkäufe. Das Gegenteil ist auch bei Vincent van Gogh der Fall. Van Gogh verließ sich auf seinen Bruder Theo, um ihn mit Farbe und Leinwand zu versorgen, doch heute erzielen seine Gemälde Rekordpreise, wenn sie auf einer Kunstauktion erscheinen, und er ist ein bekannter Name.

Das Betrachten berühmter Gemälde aus Vergangenheit und Gegenwart kann Ihnen viele Dinge beibringen, einschließlich der Komposition und des Umgangs mit Farbe. Obwohl die wahrscheinlich wichtigste Lektion ist, dass Sie letztendlich für sich selbst malen sollten, nicht für einen Markt oder eine Nachwelt.

"Nachtwache" - Rembrandt

Das Gemälde "Nachtwache" von Rembrandt ist in dem Rijksmuseum in Amsterdam. Wie das Foto zeigt, handelt es sich um ein riesiges Gemälde: 363 x 437 cm. Rembrandt beendete es im Jahre 1642. Sein wahrer Titel ist "Die Gesellschaft von Frans Banning Cocq und Willem van Ruytenburch", aber es ist besser bekannt als die Nachtwache. (Eine Kompanie, die eine Milizwache ist).

Die Zusammensetzung des Gemäldes war für die Zeit sehr unterschiedlich. Anstatt die Figuren ordentlich und ordentlich zu zeigen, wobei jeder die gleiche Bedeutung und den gleichen Platz auf der Leinwand erhielt, hat Rembrandt sie als geschäftige Gruppe in Aktion gemalt.

Um 1715 wurde ein Schild auf die "Nachtwache" gemalt, der die Namen von 18 Personen enthielt, aber nur einige der Namen waren jemals identifiziert worden. (Denken Sie also daran, wenn Sie ein Gruppenporträt malen: Zeichnen Sie ein Diagramm auf die Rückseite, um die Namen aller zukünftigen Personen zu erfassen Generationen werden es wissen!) Im März 2009 löste der niederländische Historiker Bas Dudok van Heel endlich das Rätsel, wer wer in der Gemälde. Seine Forschung fand sogar Kleidungsstücke und Accessoires, die in der "Nachtwache" abgebildet sind, die in den Inventaren von erwähnt wird Familiengüter, die er dann 1642, dem Jahr des Gemäldes, mit dem Alter der verschiedenen Milizsoldaten zusammenstellte abgeschlossen.

Dudok van Heel entdeckte auch, dass in der Halle, in der Rembrandts "Nachtwache" zum ersten Mal aufgehängt wurde, sechs Gruppen waren Porträts einer Miliz, die ursprünglich in einer fortlaufenden Serie gezeigt wurden, nicht wie seit langem sechs separate Gemälde habe gedacht. Vielmehr bildeten die sechs Gruppenporträts von Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart und Flinck einen ungebrochenen Fries, der zueinander passte und in der Holztäfelung des Raumes befestigt war. Oder das war die Absicht. Rembrandts "Nachtwache" passt weder in Komposition noch in Farbe zu den anderen Gemälden. Es scheint, dass Rembrandt die Bedingungen seiner Kommission nicht eingehalten hat. Aber wenn er es getan hätte, hätten wir dieses auffallend andere Gruppenporträt aus dem 17. Jahrhundert nie gehabt.

"Hase" - Albrecht Dürer

Der offizielle Titel dieses Gemäldes, allgemein als Dürers Kaninchen bezeichnet, nennt es einen Hasen. Das Gemälde befindet sich in der ständigen Sammlung der Batliner-Sammlung des Albertina Museum in Wien, Österreich.

Es wurde mit Aquarell und Gouache gemalt, wobei die weißen Glanzlichter in Gouache gemacht wurden (anstatt das unbemalte Weiß des Papiers zu sein).

Es ist ein spektakuläres Beispiel dafür, wie Pelz gemalt werden kann. Um es zu emulieren, hängt der Ansatz davon ab, wie viel Geduld Sie haben. Wenn Sie Unmengen haben, malen Sie mit einem dünnen Pinsel Haar für Haar. Verwenden Sie andernfalls eine Trockenbürstentechnik oder teilen Sie die Haare auf einer Bürste. Geduld und Ausdauer sind unerlässlich. Arbeiten Sie zu schnell auf nasser Farbe, und die einzelnen Striche können sich vermischen. Fahren Sie nicht lange genug fort und das Fell wird abgenutzt erscheinen.

Deckenfresko der Sixtinischen Kapelle - Michelangelo

Das Gemälde von Michelangelo von der Decke der Sixtinischen Kapelle ist eines der berühmtesten Fresken der Welt.

Die Sixtinische Kapelle ist eine große Kapelle im Apostolischen Palast, der offiziellen Residenz des Papstes (des Führers der katholischen Kirche) in der Vatikanstadt. Es hat viele Fresken gemalt, die von einigen der größten Namen der Renaissance gemalt wurden, darunter Wandfresken von Bernini und Raphael, ist jedoch am bekanntesten für die Fresken an der Decke von Michelangelo.

Michelangelo wurde am 6. März 1475 geboren und starb am 18. Februar 1564. Michelangelo arbeitete im Auftrag von Papst Julius II. Andie Decke der Sixtinischen Kapelle von Mai 1508 bis Oktober 1512 (zwischen September 1510 und August 1511 wurden keine Arbeiten durchgeführt). Die Kapelle wurde am 1. November 1512 am Fest Allerheiligen eingeweiht.

Die Kapelle ist 40,23 Meter lang, 13,40 Meter breit und die Decke 20,70 Meter über dem Boden an ihrem höchsten Punkt¹. Michelangelo malte eine Reihe von biblischen Szenen, Propheten und Vorfahren Christi sowie Trompe l'oeil oder Architekturmerkmale. Der Hauptbereich der Decke zeigt Geschichten aus Geschichten des Buches Genesis, einschließlich der Erschaffung der Menschheit, des Sturzes des Menschen aus der Gnade, der Flut und Noahs.

Decke der Sixtinischen Kapelle: Ein Detail

Die Tafel, die die Erschaffung des Menschen zeigt, ist wahrscheinlich die bekannteste Szene im berühmten Fresko von Michelangelo an der Decke der Sixtinischen Kapelle.

In der Sixtinischen Kapelle im Vatikan sind viele Fresken gemalt, am bekanntesten sind jedoch die Fresken an der Decke von Michelangelo. Zwischen 1980 und 1994 wurde von vatikanischen Kunstexperten eine umfassende Restaurierung durchgeführt, bei der jahrhundertelanger Rauch von Kerzen und früheren Restaurierungsarbeiten entfernt wurde. Dies ergab Farben, die viel heller waren als bisher angenommen.

Zu den verwendeten Pigmenten von Michelangelo gehörten Ocker für Rot und Gelb, Eisensilikate für Grün, Lapislazuli für Blau und Holzkohle für Schwarz.¹ Nicht alles ist so detailliert gemalt, wie es zuerst erscheint. Zum Beispiel werden Figuren im Vordergrund detaillierter gemalt als im Hintergrund, was das Gefühl von Tiefe in der Decke verstärkt.

Mehr zur Sixtinischen Kapelle:

• Vatikanische Museen: Sixtinische Kapelle
• Virtueller Rundgang durch die Sixtinische Kapelle

Quellen:
1 Vatikanische Museen: Die Sixtinische Kapelle, Website des Staates Vatikanstadt, abgerufen am 9. September 2010.

Leonardo da Vinci Notizbuch

Der Renaissancekünstler Leonardo da Vinci ist nicht nur für seine Gemälde, sondern auch für seine Notizbücher bekannt. Dieses Foto zeigt eine im V & A Museum in London.

Das V & A Museum in London hat fünf von Leonardo da Vincis Notizbüchern in seiner Sammlung. Dieser als Codex Forster III bekannte wurde von Leonardo da Vinci zwischen 1490 und 1493 verwendet, als er in Mailand für Herzog Ludovico Sforza arbeitete.

Es ist ein kleines Notizbuch, die Größe, die Sie leicht in einer Manteltasche aufbewahren können. Es enthält alle Arten von Ideen, Notizen und Skizzen, einschließlich "Skizzen der Beine eines Pferdes, Zeichnungen von Hüte und Kleidung, die möglicherweise Ideen für Kostüme bei Bällen waren, und ein Bericht über die Anatomie des Menschen Kopf."¹ Während Sie die Seiten des Notizbuchs im Museum nicht umblättern können, können Sie es online durchblättern.

Das Lesen seiner Handschrift ist nicht einfach, zwischen dem kalligraphischen Stil und seiner Verwendung von Spiegelschrift (rückwärts, von rechts nach links), aber manche finden es faszinierend zu sehen, wie er alle möglichen Dinge in einem vereint Notizbuch. Es ist ein funktionierendes Notizbuch, kein Prunkstück. Wenn Sie sich jemals Sorgen gemacht haben, dass Ihre Kreativitätsjournal Wurde nicht irgendwie richtig gemacht oder organisiert, übernehmen Sie Ihre Führung von diesem Meister: Tun Sie es, wie Sie es brauchen.

<sub>Quelle:
1. Entdecken Sie die Forster Codices, das V & A Museum. (Zugriff am 8. August 2010.)</sub>

"Die Mona Lisa" - Leonardo da Vinci

Leonardo da VinciDas Gemälde "Mona Lisa" im Louvre in Paris ist wohl das berühmteste Gemälde der Welt. Es ist wahrscheinlich auch das bekannteste Beispiel dafür sfumato, eine Maltechnik, die teilweise für ihr rätselhaftes Lächeln verantwortlich ist.

Es wurde viel darüber spekuliert, wer die Frau auf dem Gemälde war. Es handelt sich vermutlich um ein Porträt von Lisa Gherardini, der Frau eines florentinischen Tuchhändlers namens Francesco del Giocondo. (Der Kunstautor Vasari aus dem 16. Jahrhundert war einer der ersten, der dies in seinem "Leben der Künstler" vorschlug). Es wurde auch vermutet, dass der Grund für ihr Lächeln war, dass sie schwanger war.

Kunsthistoriker wissen es Leonardo hatte die "Mona Lisa" um 1503 begonnen, als eine Aufzeichnung davon in diesem Jahr von einem hochrangigen Florentiner Beamten, Agostino Vespucci, gemacht wurde. Wenn er fertig ist, ist es weniger sicher. Der Louvre datierte das Gemälde ursprünglich auf 1503-06, aber Entdeckungen aus dem Jahr 2012 lassen vermuten, dass es sich um ein Gemälde handelte Jahrzehnt später, bevor es fertiggestellt wurde, basierend auf dem Hintergrund, der auf einer Zeichnung von Steinen basiert, in denen er bekanntermaßen gearbeitet hat 1510-15.¹ Der Louvre änderte die Daten im März 2012 auf 1503-19.

Quelle:
1. Mona Lisa hätte ein Jahrzehnt später als in The Art Newspaper von Martin Bailey am 7. März 2012 (abgerufen am 10. März 2012) fertiggestellt werden können.

Berühmte Maler: Monet in Giverny

Referenzfotos zum Malen: Monets "Garten in Giverny".

Ein Teil des Grundes, warum der impressionistische Maler Claude Monet so berühmt ist, sind seine Gemälde der Reflexionen in den Seerosenteichen, die er in seinem großen Garten in Giverny geschaffen hat. Es hat viele Jahre lang inspiriert, bis zu seinem Lebensende. Er entwarf Ideen für Gemälde, die von den Teichen inspiriert waren, und schuf kleine und große Gemälde sowohl als Einzelwerke als auch als Serien.

Unterschrift von Claude Monet

Dieses Beispiel, wie Monet seine Bilder signierte, stammt von einem seiner Seerosenbilder. Sie können sehen, dass er es mit einem Vor- und Nachnamen (Claude Monet) und dem Jahr (1904) unterschrieben hat. Es befindet sich in der unteren rechten Ecke, weit genug, damit es nicht vom Rahmen abgeschnitten wird.

Monets vollständiger Name war Claude Oscar Monet.

"Impression Sunrise" - Monet

Dieses Gemälde von Monet gab dem impressionistischer Stil der Kunst. Er stellte es 1874 in Paris in der sogenannten ersten impressionistischen Ausstellung aus.

In seiner Rezension der Ausstellung mit dem Titel "Ausstellung der Impressionisten" sagte der Kunstkritiker Louis Leroy:

"Tapeten in ihrem embryonalen Zustand sind mehr fertig als diese Seelandschaft."

<sub>Quelle:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" von Louis Leroy, Le Charivari25. April 1874, Paris. Übersetzt von John Rewald in Die Geschichte des ImpressionismusMoma, 1946, S. 256-61; zitiert im Salon zur Biennale: Ausstellungen, die Kunstgeschichte machten von Bruce Altshuler, Phaidon, S. 42-43.</sub>

"Haystacks" -Serie - Monet

Monet malte oft eine Reihe desselben Motivs, um die wechselnden Auswirkungen des Lichts einzufangen, und tauschte im Laufe des Tages die Leinwände aus.

Monet malte immer wieder viele Motive, aber jedes seiner Serienbilder ist anders, egal ob es sich um ein Gemälde einer Seerose oder eines Heuhaufens handelt. Da Monets Gemälde in Sammlungen auf der ganzen Welt verstreut sind, werden seine Serienbilder normalerweise nur in Sonderausstellungen als Gruppe gesehen. Zum Glück ist die Kunstinstitut in Chicago hat mehrere Heuhaufenbilder von Monet in seiner Sammlung, da sie beeindruckend sind zusammen betrachten:

• Weizenstapel
• Auftauen, Sonnenuntergang
• Sonnenuntergang, Schneeeffekt
• Schneeeffekt, bewölkter Tag
• Ende des Sommers

Im Oktober 1890 schrieb Monet einen Brief an den Kunstkritiker Gustave Geffroy über die von ihm gemalte Heuhaufen-Serie:

"Ich bin hart darin, hartnäckig an einer Reihe verschiedener Effekte zu arbeiten, aber zu dieser Jahreszeit geht die Sonne so schnell unter, dass es unmöglich ist, mitzuhalten... Je weiter ich komme, desto mehr sehe ich, dass viel Arbeit getan werden muss, um das zu rendern, wonach ich suche: "Sofortigkeit", vor allem die "Hülle", das gleiche Licht, das sich über alles ausbreitet... Ich bin zunehmend besessen von der Notwendigkeit, das, was ich erlebe, wiederzugeben, und ich bete, dass mir noch ein paar gute Jahre verbleiben, weil ich denke, dass ich in dieser Richtung einige Fortschritte machen kann... " ¹

<sup>Quelle: ​
1. Monet allein, S. 172, herausgegeben von Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.</sup>

"Seerosen" - Claude Monet

Claude Monet, "Seerosen", c. 19140-17, Öl auf Leinwand. Größe 166,1 x 142,2 cm (65 3/8 x 56 Zoll). In der Sammlung der Kunstmuseen von San Francisco.

Monet ist vielleicht der berühmteste der Impressionisten, besonders für seine Gemälde der Reflexionen im Seerosenteich in seinem Giverny-Garten. Dieses besondere Gemälde zeigt ein kleines Stück Wolke in der oberen rechten Ecke und das fleckige Blau des Himmels, wie es sich im Wasser spiegelt.

Wenn Sie Fotos von Monets Garten studieren, wie diesen von Monets Seerosenteich und diesen von Lilienblumen, und sie mit diesem Gemälde vergleichen, werden Sie ein Gefühl dafür bekommen, wie Monet Details in seiner Kunst reduzierte, einschließlich nur der Essenz der Szene oder des Eindrucks von Reflexion, Wasser und Lilie Blume. Klicken Sie auf den Link "In voller Größe anzeigen" unter dem Foto oben, um eine größere Version zu erhalten, in der Sie leichter ein Gefühl für Monets Pinselführung bekommen.

Der französische Dichter Paul Claudel sagte:

"Dank Wasser ist [Monet] der Maler dessen geworden, was wir nicht sehen können. Er spricht diese unsichtbare spirituelle Oberfläche an, die Licht von Reflexion trennt. Luftiges Azurblau gefangen von flüssigem Azurblau... Farbe steigt vom Grund des Wassers in Wolken, in Strudeln. "

^Quelle:
Kunst unseres Jahrhunderts, von Jean-Louis Ferrier und Yann Le Pichon

Unterschrift von Camille Pissarro

Der Maler Camille Pissarro ist weniger bekannt als viele seiner Zeitgenossen (wie Monet), hat aber einen einzigartigen Platz in der Kunstzeitleiste. Er arbeitete sowohl als Impressionist als auch als Neoimpressionist und beeinflusste mittlerweile berühmte Künstler wie Cézanne, Van Gogh und Gauguin. Er war der einzige Künstler, der bei allen acht ausstellte Impressionistische Ausstellungen in Paris von 1874 bis 1886.

Van Gogh Selbstporträt (1886/1887)

Diese Porträt durch Vincent van Gogh befindet sich in der Sammlung des Art Institute of Chicago. Es wurde mit einem Stil gemalt, der dem Pointillismus ähnelt, aber nicht nur an Punkten haftet.

In den zwei Jahren, die er von 1886 bis 1888 in Paris lebte, malte Van Gogh 24 Selbstporträts. Das Art Institute of Chicago beschrieb diese als Anwendung der "Punkttechnik" von Seurat nicht als wissenschaftliche Methode, sondern als "intensive" emotionale Sprache, "in der" die roten und grünen Punkte störend sind und völlig der nervösen Spannung entsprechen, die in van Goghs erkennbar ist Blick."

In einem Brief einige Jahre später an seine Schwester Wilhelmina schrieb Van Gogh:

"Ich habe in letzter Zeit zwei Bilder von mir gemalt, von denen eines eher den wahren Charakter hat, denke ich, obwohl sie sich in Holland wahrscheinlich über die keimenden Ideen zur Porträtmalerei lustig machen würden Hier... Ich finde Fotos immer abscheulich und ich mag es nicht, sie in der Nähe zu haben, besonders nicht die von Personen, die ich kenne und liebe... fotografische Porträts verdorren viel früher als wir selbst, während das gemalte Porträt eine Sache ist, die mit Liebe oder Respekt für den dargestellten Menschen gefühlt, gemacht wird. "

Quelle:
Brief an Wilhelmina van Gogh vom 19. September 1889

Vincent van Goghs Unterschrift

Das Nachtcafé von Van Gogh befindet sich jetzt in der Sammlung der Yale University Art Gallery. Es ist bekannt, dass Van Gogh nur die Gemälde signierte, mit denen er besonders zufrieden war. Was bei diesem Gemälde jedoch ungewöhnlich ist, ist, dass er unter seiner Unterschrift den Titel "Le café de Nuit" hinzufügte.
Beachten Sie, dass Van Gogh seine Bilder einfach mit "Vincent" signierte, nicht mit "Vincent van Gogh" oder "Van Gogh".

In einem Brief an seinen Bruder Theo vom 24. März 1888 sagte er:

"In Zukunft sollte mein Name in den Katalog aufgenommen werden, wenn ich ihn auf der Leinwand unterschreibe, nämlich Vincent und nicht Van Gogh, aus dem einfachen Grund, dass sie nicht wissen, wie sie den letzteren Namen hier aussprechen sollen."

"Hier" ist Arles in Südfrankreich.
Wenn Sie sich gefragt haben, wie Sie Van Gogh aussprechen, denken Sie daran, dass es sich um einen niederländischen Nachnamen handelt, nicht um einen französischen oder englischen. So wird der "Gogh" ausgesprochen, so dass er sich mit dem schottischen "Loch" reimt. Es ist weder "goff" noch "go".

Die sternenklare Nacht - Vincent van Gogh

Dieses Gemälde, das möglicherweise das berühmteste Gemälde von Vincent van Gogh ist, befindet sich in der Sammlung des Museum für moderne Kunst in New York.
Van Gogh malte Die Sternreiche Nacht im Juni 1889, nachdem er den Morgenstern in einem Brief an seinen Bruder Theo erwähnt hatte, der um den 2. Juni 1889 geschrieben wurde: "Heute morgen habe ich Ich habe das Land lange vor Sonnenaufgang von meinem Fenster aus gesehen, mit nichts als dem Morgenstern, der sehr groß aussah. "Der Morgenstern (eigentlich der Planet Venus, kein Stern) wird im Allgemeinen als der große weiße angesehen, der links von der Mitte des Gemäldes gemalt ist.
Frühere Briefe von Van Gogh erwähnen auch die Sterne und den Nachthimmel und seinen Wunsch, sie zu malen:

1. "Wann werde ich jemals dazu kommen, den Sternenhimmel zu machen, dieses Bild, das ich immer im Kopf habe?" (Brief an Emile Bernard, 18. Juni 1888)
2. "Was den Sternenhimmel betrifft, so hoffe ich immer wieder, ihn zu malen, und vielleicht werde ich es eines Tages tun" (Brief an Theo van Gogh, ca. 26. September 1888).
3. "Zur Zeit möchte ich unbedingt einen Sternenhimmel malen. Es scheint mir oft, dass die Nacht immer noch farbenprächtiger ist als der Tag; mit den intensivsten Veilchen-, Blau- und Grüntönen. Wenn Sie nur darauf achten, werden Sie sehen, dass bestimmte Sterne zitronengelb, andere rosa oder grün, blau und Vergissmeinnicht-Brillanz sind... es ist offensichtlich, dass es nicht ausreicht, kleine weiße Punkte auf das Blauschwarz zu setzen, um einen Sternenhimmel zu malen. "(Brief an Wilhelmina van Gogh, 16. September 1888)

Das Restaurant de la Sirene in Asnieres - Vincent van Gogh

Dieses Gemälde von Vincent van Gogh befindet sich in der Sammlung des Ashmolean Museum in Oxford, UK. Van Gogh malte es kurz nach seiner Ankunft in Paris im Jahr 1887, um mit seinem Bruder Theo in Montmartre zu leben, wo Theo eine Kunstgalerie leitete.
Zum ersten Mal war Vincent den Gemälden der Impressionisten (insbesondere Monet) ausgesetzt und traf Künstler wie Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard und Pissarro. Im Vergleich zu seiner früheren Arbeit, die von für nordeuropäische Maler wie Rembrandt typischen dunklen Erdtönen dominiert wurde, zeigt dieses Gemälde den Einfluss dieser Künstler auf ihn.
Die Farben, die er verwendete, haben sich aufgehellt und aufgehellt, und seine Pinselführung ist lockerer und deutlicher geworden. Schauen Sie sich diese Details aus dem Gemälde an und Sie werden sehen, wie er kleine Striche von reiner Farbe verwendet hat, die sich von anderen abheben. Er mischt keine Farben auf die Leinwand, sondern lässt dies im Auge des Betrachters zu. Er probiert das aus gebrochene Farbe Ansatz der Impressionisten.
Im Vergleich zu seinen späteren Gemälden sind die Farbstreifen voneinander beabstandet, wobei zwischen ihnen ein neutraler Hintergrund zu sehen ist. Er bedeckt noch nicht die gesamte Leinwand mit gesättigten Farben und nutzt auch nicht die Möglichkeiten, Pinsel zu verwenden, um Texturen in der Farbe selbst zu erzeugen.

Das Restaurant de la Sirene in Asnieres von Vincent van Gogh (Detail)

Diese Details aus Van Goghs Gemälde Das Restaurant de la Sirene in Asnieres (in der Sammlung des Ashmolean Museum) zeigen, wie er experimentierte mit seinen Pinselstrichen und Pinselstrichen, nachdem er den Gemälden der Impressionisten und anderer zeitgenössischer Pariser ausgesetzt war Künstler.

"Vier Tänzer" - Edgar Degas

Edgar Degas, Vier Tänzer, c. 1899. Öl auf Leinwand. Größe 151,1 x 180,2 cm (59 1/2 x 71 Zoll). In dem Nationalgalerie für Kunst, Washington.

"Porträt der Mutter des Künstlers" - Whistler

Dies ist möglicherweise Whistlers berühmtestes Gemälde. Der vollständige Titel lautet "Arrangement in Grau und Schwarz Nr. 1, Porträt der Mutter des Künstlers". Seine Mutter erklärte sich bereit, für das Gemälde zu posieren, als das Modell, das Whistler benutzt hatte, krank wurde. Er bat sie zunächst, im Stehen zu posieren, aber wie Sie sehen, gab er nach und ließ sie sich setzen.
An der Wand hängt eine Radierung von Whistler, "Black Lion Wharf". Wenn Sie sehr genau auf den Vorhang oben links schauen Auf dem Rahmen der Radierung sehen Sie einen leichteren Fleck, das ist das Schmetterlingssymbol, mit dem Whistler seine Bilder signiert hat. Das Symbol war nicht immer dasselbe, aber es hat sich geändert und seine Form wird verwendet, um sein Kunstwerk zu datieren. Es ist bekannt, dass er es seit 1869 benutzt hatte.

"Hoffnung II" - Gustav Klimt

"Wer etwas über mich wissen will - als Künstler das einzig Bemerkenswerte - sollte sich meine Bilder genau ansehen und versuchen, darin zu sehen, was ich bin und was ich tun möchte." Klimt.

Gustav Klimt malte Hoffnung II 1907/8 auf Leinwand mit Ölfarben, Gold und Platin. Es ist 110,5 x 110,5 cm groß. Das Gemälde ist Teil der Sammlung der Museum für moderne Kunst in New York.
Hoffnung II ist ein schönes Beispiel für Klimts Verwendung von Blattgold in Gemälden und sein reicher Zierstil. Schauen Sie sich an, wie er das Kleidungsstück der Hauptfigur bemalt hat, wie es eine abstrahierte Form ist, die mit Kreisen verziert ist, aber wir lesen es immer noch als Umhang oder Kleid. Wie es unten in die drei anderen Gesichter verschmilzt.
In seiner illustrierten Klimt-Biographie sagte der Kunstkritiker Frank Whitford:

Klimt "trug echtes Blattgold und Silberblatt auf, um den Eindruck des Gemäldes noch weiter zu verstärken ist ein kostbares Objekt, kein entfernter Spiegel, in dem die Natur erblickt werden kann, sondern ein sorgfältig ausgearbeitetes Artefakt. " ²

Es ist eine Symbolik, die heutzutage immer noch als gültig angesehen wird, da Gold immer noch als wertvolles Gut angesehen wird.
Klimt lebte in Wien in Österreich und ließ sich mehr vom Osten als vom Westen inspirieren, aus "Quellen wie Byzantinische Kunst, mykenische Metallarbeiten, Perserteppiche und Miniaturen, Mosaike der Ravenna-Kirchen und Japaner Bildschirme. " ³
Quelle:
1. Künstler im Kontext: Gustav Klimt von Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), Rückseite.
2. Ebenda. p82.
3. MoMA-Highlights (Museum of Modern Art, New York, 2004), p. 54

Picassos Unterschrift

Dies ist die Unterschrift von Picasso auf seinem Gemälde von 1903 (aus seiner blauen Zeit) mit dem Titel "The Absinthe Drinker".
Picasso experimentierte mit verschiedenen verkürzten Versionen seines Namens als Malunterschrift, darunter eingekreiste Initialen, bevor "Pablo Picasso" eingestellt wird. Heute hören wir ihn allgemein als einfach bezeichnet "Picasso."

Sein voller Name war: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso¹.
​
<sub>Quelle:
1. "Eine Summe von Zerstörungen: Picassos Kulturen und die Schaffung des Kubismus" von Natasha Staller. Yale University Press. Seite p209.</sub>

"Der Absinthtrinker" - Picasso

Dieses Gemälde wurde 1903 von Picasso während seiner Blauen Periode geschaffen (eine Zeit, in der Blautöne Picassos Gemälde dominierten; als er in den Zwanzigern war). Es zeigt den Künstler Angel Fernandez de Soto, der mehr vom Feiern und Trinken begeistert war als sein Gemälde¹und der zweimal ein Studio mit Picasso in Barcelona teilte.
Das Gemälde wurde im Juni 2010 von der Andrew Lloyd Webber Foundation zur Versteigerung angeboten, nachdem in den USA eine außergerichtliche Einigung über das Eigentum erzielt worden war. nach einer Behauptung von Nachkommen des deutsch-jüdischen Bankiers Paul von Mendelssohn-Bartholdy, dass das Gemälde in den 1930er Jahren während des NS-Regimes in Zwang gewesen war Deutschland.

<sub>Quelle:
1. Christies Auktionshaus Pressemitteilung, "Christie bietet Picasso-Meisterwerk an", 17. März 2010.</sub>

"Die Tragödie" - Picasso

Pablo Picasso, Die Tragödie, 1903. Öl auf Holz. Größe 41 105,3 x 69 cm. In dem Nationalgalerie für Kunst, Washington.

Es ist aus seiner blauen Zeit, als seine Bilder, wie der Name schon sagt, alle vom Blues dominiert wurden.

Skizze von Picasso für sein berühmtes "Guernica" -Gemälde

Während Picasso sein riesiges Gemälde Guernica plante und daran arbeitete, machte er viele Skizzen und Studien. Das Foto zeigt einen von seinen Komposition Skizzen, die an sich nicht viel aussehen, eine Sammlung gekritzelter Linien.

Anstatt zu versuchen zu entschlüsseln, was die verschiedenen Dinge sein könnten und wo sie sich im endgültigen Gemälde befinden, stellen Sie sie sich als Picasso-Abkürzung vor. Einfach Markieren für Bilder, die er im Kopf hatte. Konzentrieren Sie sich darauf, wie er dies verwendet, um zu entscheiden, wo Elemente im Bild platziert werden sollen, und auf die Interaktion zwischen diesen Elementen.

"Guernica" - Picasso

Dieses berühmte Gemälde von Picasso ist riesig: 11 Fuß 6 Zoll hoch und 25 Fuß 8 Zoll breit (3,5 x 7,76 Meter). Picasso malte es im Auftrag des spanischen Pavillons auf der Weltausstellung 1937 in Paris. Es ist im Museo Reina Sofia in Madrid, Spanien.

"Porträt von Herrn Minguell" - Picasso

Picasso malte dieses Porträt 1901, als er 20 Jahre alt war. Das Thema war ein katalanischer Schneider, Herr Minguell, dem Picasso vermutlich von seinem Kunsthändler und Freund Pedro Manach vorgestellt wurde¹. Der Stil zeigt die Ausbildung, die Picasso in der traditionellen Malerei hatte, und wie weit sich sein Malstil während seiner Karriere entwickelt hat. Dass es auf Papier gemalt ist, ist ein Zeichen dafür, dass es zu einer Zeit gemacht wurde, als Picasso pleite war und noch nicht genug Geld mit seiner Kunst verdient hatte, um auf Leinwand zu malen.

Picasso schenkte Minguell das Gemälde, kaufte es aber später zurück und hatte es noch, als er 1973 starb. Das Gemälde wurde auf Leinwand gebracht und wahrscheinlich auch "kurz vor 1969" unter Picassos Anleitung restauriert.², als es für ein Buch von Christian Zervos über Picasso fotografiert wurde.

Das nächste Mal bist du in einem dieser Dinner-Party-Argumente darüber, wie alle nicht-realistischen Maler nur malen abstrakt, Kubist, Fauvist, Impressionist, wählen Sie Ihren Stil, weil sie keine "echten Bilder" machen können. Fragen Sie die Person, ob sie Picasso in diese Kategorie einordnet (die meisten tun dies), und erwähnen Sie dann dieses Gemälde.

_{Quelle:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Lot Details Impressionistischer und moderner Kunstverkauf 22. Juni 2010. (Zugriff am 3. Juni 2010.)}

"Dora Maar" oder "Tête De Femme" - Picasso

Bei der Versteigerung im Juni 2008 wurde dieses Gemälde von Picasso für 7.881.250 GBP (15.509.512 USD) verkauft. Die Auktionsschätzung war drei bis fünf Millionen Pfund gewesen.

Les Demoiselles d'Avignon - Picasso

Dieses riesige Gemälde (fast acht Quadratmeter) von Picasso gilt als eines der wichtigsten Werke der modernen Kunst, die jemals geschaffen wurden, wenn nicht das Am wichtigsten ist ein entscheidendes Gemälde für die Entwicklung der modernen Kunst. Das Gemälde zeigt fünf Frauen - Prostituierte in einem Bordell -, aber es gibt viele Debatten darüber, was das alles bedeutet und welche Referenzen und Einflüsse darin enthalten sind.
Kunstkritiker Jonathan Jones¹ sagt:

"Was Picasso an afrikanischen Masken auffiel [deutlich in den Gesichtern der Figuren auf der rechten Seite], war die Das offensichtlichste: dass sie dich verkleiden, dich in etwas anderes verwandeln - ein Tier, einen Dämon, einen Gott. Die Moderne ist eine Kunst, die eine Maske trägt. Es sagt nicht, was es bedeutet; Es ist kein Fenster, sondern eine Wand. Picasso wählte sein Thema genau deshalb aus, weil es ein Klischee war: Er wollte zeigen, dass Originalität in der Kunst nicht in der Erzählung oder Moral liegt, sondern in der formalen Erfindung. Aus diesem Grund ist es falsch, Les Demoiselles d'Avignon als Gemälde über Bordelle, Prostituierte oder Kolonialismus zu betrachten. "

Quelle:
1. Pablos Punks von Jonathan Jones, Der Wächter, 9. Januar 2007.

"Frau mit Gitarre" - Georges Braque

Georges Braque, Frau mit Gitarre, 1913. Öl und Kohle auf Leinwand. 130 x 73 cm (51 1/4 x 28 3/4 Zoll). Im Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris.

Das rote Studio - Henri Matisse

Dieses Gemälde befindet sich in der Sammlung der Museum für moderne Kunst (Moma) in New York. Es zeigt das Innere von Matisses Malatelier mit abgeflachter Perspektive oder einer einzelnen Bildebene. Die Wände seines Ateliers waren nicht wirklich rot, sie waren weiß; er verwendete Rot in seinem Gemälde für die Wirkung.
In seinem Atelier sind verschiedene seiner Kunstwerke und Studiomöbel ausgestellt. Die Umrisse der Möbel in seinem Atelier sind Linien in der Farbe, die die Farbe einer unteren, gelben und blauen Schicht enthüllen, die nicht über dem Rot gemalt ist.

1. "Abgewinkelte Linien deuten auf Tiefe hin, und das blaugrüne Licht des Fensters verstärkt das Gefühl des Innenraums, aber die Weite von Rot glättet das Bild. Matisse verstärkt diesen Effekt, indem er beispielsweise die vertikale Linie der Ecke des Raums weglässt. "
- MoMA Highlights, veröffentlicht von Moma, 2004, Seite 77.

2. "Alle Elemente... versenken ihre individuellen Identitäten in einer langwierigen Meditation über Kunst und Leben, Raum, Zeit, Wahrnehmung und die Natur der Realität selbst... eine Kreuzung für die westliche Malerei, an der die klassische nach außen gerichtete, vorwiegend gegenständliche Kunst der Vergangenheit auf das provisorische, verinnerlichte und selbstreferenzielle Ethos der Zukunft traf... "
- Hilary Spurling,, Seite 81.

Der Tanz - Henri Matisse

Das obere Foto zeigt Matisses fertiges Gemälde mit dem Titel Der Tanz, 1910 fertiggestellt und jetzt in der Eremitage in St. Petersburg, Russland. Das untere Foto zeigt die Kompositionsstudie in voller Größe, die er für das Gemälde gemacht hat MOMA in New York, USA. Matisse malte es im Auftrag des russischen Kunstsammlers Sergei Shchukin.
Es ist ein riesiges Gemälde, fast vier Meter breit und zweieinhalb Meter hoch (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") und mit einer Palette gemalt, die auf drei Farben beschränkt ist: Rot, Grün und Blau. Ich denke, es ist ein Gemälde, das zeigt, warum Matisse einen solchen Ruf als Kolorist hat, besonders wenn man die Studie mit dem endgültigen Gemälde mit seinen leuchtenden Figuren vergleicht.
In ihrer Matisse-Biographie (auf Seite 30) sagt Hilary Spurling:

"Diejenigen, die die erste Version von gesehen haben Tanzen beschrieb es als blass, zart, sogar traumhaft, gemalt in Farben, die erhöht wurden... in der zweiten Version in einen heftigen, flachen Fries aus zinnoberroten Figuren, die gegen hellgrüne und himmlische Bänder vibrieren. Zeitgenossen sahen das Gemälde als heidnisch und dionysisch an. "

Beachten Sie die abgeflachte Perspektive, wie die Figuren die gleiche Größe haben und nicht diejenigen, die weiter davon entfernt sind, kleiner zu sein, als dies in der Perspektive oder Verkürzung für gegenständliche Gemälde der Fall wäre. Wie die Linie zwischen Blau und Grün hinter den Figuren gekrümmt ist und den Kreis der Figuren widerspiegelt.

"Die Oberfläche war bis zur Sättigung gefärbt, bis zu dem Punkt, an dem Blau, die Idee des absoluten Blaus, endgültig vorhanden war. Ein helles Grün für die Erde und ein lebhaftes Zinnoberrot für die Körper. Mit diesen drei Farben hatte ich meine Harmonie von Licht und auch Reinheit des Tons. "- Matisse

Quelle:
"Einführung in die Ausstellung From Russian für Lehrer und Schüler" von Greg Harris, Royal Academy of Arts, London, 2008.

Berühmte Maler: Willem de Kooning

Der Maler Willem de Kooning wurde am 24. August 1904 in Rotterdam in den Niederlanden geboren und starb am 19. März 1997 in Long Island, New York. De Kooning wurde mit 12 Jahren zum kaufmännischen Kunst- und Dekorationsunternehmen ausgebildet und besuchte acht Jahre lang Abendkurse an der Rotterdamer Akademie der bildenden Künste und Techniken. Er wanderte 1926 in die USA aus und begann 1936 hauptberuflich zu malen.

De Koonings Malstil war Abstrakter Expressionismus. 1948 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Charles Egan Gallery in New York mit einem Werk in Schwarz-Weiß-Emailfarbe. (Er fing an, Emailfarbe zu verwenden, da er sich keine Künstlerpigmente leisten konnte.) In den 1950er Jahren wurde er als anerkannt einer der Führer des Abstrakten Expressionismus, obwohl einige Puristen des Stils seine Gemälde dachten (wie z seine Frau Serie) enthalten zu viel von der menschlichen Form.

Seine Bilder enthalten viele Schichten, Elemente, die sich überlappen und verbergen, während er ein Gemälde überarbeitete und überarbeitete. Änderungen dürfen angezeigt werden. Für die anfängliche Komposition und beim Malen zeichnete er ausgiebig auf seine Leinwände in Kohle. Seine Pinselführung ist gestisch, ausdrucksstark, wild, mit einem Gefühl von Energie hinter den Strichen. Der letzte Blick auf die Bilder war fertig, aber nicht.

De Koonings künstlerisches Schaffen erstreckte sich über fast sieben Jahrzehnte und umfasste Gemälde, Skulpturen, Zeichnungen und Drucke. Seine letzten Gemälde Quelle in den späten 1980er Jahren. Seine berühmtesten Gemälde sind Rosa Engel (c. 1945), Ausgrabung (1950) und sein dritter Frau Serie (1950–53) in einem malerischeren Stil und improvisatorischen Ansatz. In den 1940er Jahren arbeitete er gleichzeitig in abstrakten und gegenständlichen Stilen. Sein Durchbruch gelang mit seinen schwarz-weißen abstrakten Kompositionen von 1948 bis 1949. Mitte der 1950er Jahre malte er die städtischen Abstraktionen und kehrte in den 1960er Jahren zur Figuration zurück, dann zu den großen gestischen Abstraktionen in den 1970er Jahren. In den 1980er Jahren wechselte de Kooning zur Arbeit auf glatten Oberflächen und glasierte mit hellen, transparenten Farben über Fragmenten gestischer Zeichnungen.

Amerikanische Gotik - Grant Wood

Amerikanische Gotik ist wahrscheinlich das berühmteste aller Gemälde, die der amerikanische Künstler Grant Wood jemals geschaffen hat. Es ist jetzt im Art Institute of Chicago.

Grant Wood malte 1930 "American Gothic". Es zeigt einen Mann und seine Tochter (nicht seine Frau¹) vor ihrem Haus stehen. Grant sah das Gebäude, das das Gemälde inspirierte, in Eldon, Iowa. Der Baustil ist die amerikanische Gotik, nach der das Gemälde seinen Titel erhält. Die Modelle für das Gemälde waren Woods Schwester und ihr Zahnarzt.². Das Gemälde ist am unteren Rand des Overalls des Mannes mit dem Namen des Künstlers und dem Jahr signiert (Grant Wood 1930).

Was bedeutet das Bild? Wood wollte, dass es eine würdevolle Darstellung des Charakters der Amerikaner des Mittleren Westens ist, die ihre puritanische Ethik zeigt. Aber es könnte als Kommentar (Satire) zur Intoleranz der ländlichen Bevölkerung gegenüber Außenstehenden angesehen werden. Die Symbolik des Gemäldes umfasst harte Arbeit (Heugabel) und Häuslichkeit (Blumentöpfe und Schürze mit Kolonialdruck). Wenn Sie genau hinschauen, werden Sie sehen, dass die drei Zinken der Heugabel in den Nähten auf dem Overall des Mannes widerhallen und die Streifen auf seinem Hemd fortsetzen.

^{Quelle:
Amerikanische Gotik, Art Institute of Chicago, abgerufen am 23. März 2011.}

"Christus des heiligen Johannes vom Kreuz" - Salvador Dali

Dieses Gemälde von Salvador Dali ist in der Sammlung der Kelvingrove Art Gallery und Museum in Glasgow, Schottland. Es wurde erstmals am 23. Juni 1952 in der Galerie ausgestellt. Das Gemälde wurde für £ 8.200 gekauft, was als hoher Preis angesehen wurde, obwohl es das Urheberrecht enthielt, das es der Galerie ermöglicht hat, Reproduktionsgebühren zu verdienen (und unzählige Postkarten zu verkaufen!).
Es war ungewöhnlich für Dali, das Urheberrecht an ein Gemälde zu verkaufen, aber er brauchte das Geld. (Das Urheberrecht verbleibt beim Künstler, sofern es nicht unterschrieben ist FAQ zum Urheberrecht des Künstlers.)

"Anscheinend in finanziellen Schwierigkeiten, bat Dali zunächst um 12.000 Pfund, aber nach einigen harten Verhandlungen... er verkaufte es für fast ein Drittel weniger und unterschrieb 1952 einen Brief an die Stadt [von Glasgow], in dem er das Urheberrecht abtrat.

Der Titel des Gemäldes bezieht sich auf die Zeichnung, die Dali inspirierte. Die Federzeichnung erfolgte nach einer Vision des Heiligen Johannes vom Kreuz (ein spanischer Karmelitermönch, 1542–1591), in der er die Kreuzigung Christi sah, als würde er sie von oben betrachten. Die Komposition besticht durch ihren ungewöhnlichen Blickwinkel auf die Kreuzigung Christi, die Beleuchtung ist dramatisch stark werfend Schattenund große Verwendung gemacht Verkürzung in der Figur. Die Landschaft am unteren Rand des Gemäldes ist der Hafen von Dalis Heimatstadt Port Lligat in Spanien.
Das Gemälde war in vielerlei Hinsicht umstritten: der Betrag, der dafür bezahlt wurde; das Thema; der Stil (der eher retro als modern wirkte). Weitere Informationen zum Gemälde finden Sie auf der Website der Galerie.

Quelle:
"Surrealer Fall der Dali-Bilder und ein Kampf um die künstlerische Lizenz"von Severin Carrell, Der Wächter, 27. Januar 2009

Campbells Suppendosen - Andy Warhol

Detail von Andy Warhol Campbells Suppendosen. Acryl auf Leinwand. 32 Gemälde à 50,8 x 40,6 cm (20 x 16 "). In der Sammlung der Museum für moderne Kunst (MoMA) in New York.
Warhol stellte 1962 erstmals seine Serie von Campbells Suppendosengemälden aus, wobei der Boden jedes Gemäldes auf einem Regal lag, wie es eine Dose in einem Supermarkt tun würde. Es gibt 32 Gemälde in der Serie, die Anzahl der Suppenarten, die Campbell's zu dieser Zeit verkaufte.
Wenn Sie sich vorgestellt hätten, Warhol würde seine Speisekammer mit Suppendosen füllen und dann eine Dose essen, während er mit dem Malen fertig war, dann scheint es nicht so. Laut Momas Website verwendete Warhol eine Produktliste von Campbell's, um jedem Gemälde einen anderen Geschmack zuzuweisen.
Auf die Frage sagte Warhol:

"Ich habe es getrunken. Ich habe jeden Tag das gleiche Mittagessen gegessen, zwanzig Jahre lang, denke ich, immer und immer wieder das Gleiche. "¹

Warhol hatte offenbar auch keinen Auftrag, in dem er die Bilder ausstellen wollte. Moma zeigt die Bilder "in Reihen, die die chronologische Reihenfolge widerspiegeln, in der [die Suppen] eingeführt wurden, beginnend mit 'Tomate' oben links, die 1897 debütierte."

Wenn Sie also eine Serie malen und sie in einer bestimmten Reihenfolge anzeigen möchten, notieren Sie dies irgendwo. Die Hinterkante der Leinwände ist wahrscheinlich die beste, da sie dann nicht vom Gemälde getrennt wird (obwohl sie möglicherweise verborgen bleibt, wenn die Bilder gerahmt sind).
Warhol ist ein Künstler, der oft von Malern erwähnt wird, die abgeleitete Werke herstellen wollen. Zwei Dinge sind erwähnenswert, bevor Sie ähnliche Dinge tun:

1. Auf Momas Websitegibt es einen Hinweis auf eine Lizenz von Campbell's Soup Co (d. h. eine Lizenzvereinbarung zwischen der Suppenfirma und dem Nachlass des Künstlers).
2. Die Durchsetzung des Urheberrechts scheint zu Warhols Zeiten weniger ein Problem gewesen zu sein. Machen Sie keine urheberrechtlichen Annahmen, die auf Warhols Arbeit basieren. Machen Sie Ihre Recherchen und entscheiden Sie, wie besorgt Sie über einen möglichen Fall von Urheberrechtsverletzungen sind.

Campbell beauftragte Warhol nicht mit der Erstellung der Bilder (obwohl sie später eines für einen pensionierten Vorstandsvorsitzenden im Jahr 1964 beauftragten) und hatte Bedenken, als die Marke 1962 in Warhols Gemälden auftauchte und abwartend vorging, um zu beurteilen, wie die Reaktion auf die Marke war Gemälde. In den Jahren 2004, 2006 und 2012 verkaufte Campbell Dosen mit speziellen Warhol-Gedenketiketten.

<sub>Quelle:
1. Wie am zitiert Moma, abgerufen am 31. August 2012.</sub>

Größere Bäume in der Nähe von Warter - David Hockney

Oben: Der Künstler David Hockney steht neben einem Teil seines Ölgemäldes "Bigger Trees Near Warter", das er im April 2008 an die Tate Britain gespendet hat.
Unterseite: Das Gemälde wurde erstmals in der Sommerausstellung 2007 in der Royal Academy in London ausgestellt und nahm die gesamte Wand ein.
David Hockneys Ölgemälde "Bigger Trees Near Warter" (auch genannt) Peinture en Plein Air für die Post-Photographique) zeigt eine Szene in der Nähe von Bridlington in Yorkshire. Das Gemälde aus 50 nebeneinander angeordneten Leinwänden. Zusammengenommen beträgt die Gesamtgröße des Gemäldes 4,6 x 12 Meter.
Zu der Zeit, als Hockney es malte, war es das größte Stück, das er jemals fertiggestellt hatte, obwohl es nicht das erste war, das er mit mehreren Leinwänden geschaffen hatte.

" Ich tat dies, weil mir klar wurde, dass ich es ohne Leiter schaffen könnte. Wenn Sie malen, müssen Sie in der Lage sein, zurückzutreten. Nun, es gibt Künstler, die getötet wurden, als sie von Leitern zurücktraten, nicht wahr?"
- Hockney zitiert in a Reuter Nachrichtenbericht, 7. April 2008.

Hockney benutzte Zeichnungen und einen Computer, um bei der Komposition und Malerei zu helfen. Nachdem ein Abschnitt fertiggestellt war, wurde ein Foto aufgenommen, damit er das gesamte Gemälde am Computer sehen konnte.

"Zuerst skizzierte Hockney ein Raster, das zeigt, wie die Szene über 50 Tafeln zusammenpassen würde. Dann begann er vor Ort an einzelnen Paneelen zu arbeiten. Während er daran arbeitete, wurden sie fotografiert und zu einem Computermosaik verarbeitet, damit er seine Fortschritte aufzeichnen konnte, da er jeweils nur sechs Tafeln an der Wand haben konnte. "

Quelle:
Charlotte Higgins, Wächter Kunstkorrespondent, Hockney spendet Tate große Arbeit, 7. April 2008.

Henry Moores Kriegsbilder

Das Henry Moore Ausstellung in der Tate Britain Gallery in London lief vom 24. Februar bis 8. August 2010.

Der britische Künstler Henry Moore ist am bekanntesten für seine Skulpturen, aber auch bekannt für seine Tinte, sein Wachs und Aquarellbilder von Menschen, die während des Zweiten Weltkriegs in Londons U-Bahn-Stationen Schutz suchten. Moore war ein offizieller Kriegskünstler und das 2010 Henry Moore Ausstellung In der Tate Britain Gallery gibt es einen Raum, der diesen gewidmet ist. Seine Darstellungen von schlafenden Figuren, die zwischen Herbst 1940 und Sommer 1941 entstanden sind, drängten sich im Zug Tunnel erregten ein Gefühl der Angst, das seinen Ruf veränderte und die Wahrnehmung der Bevölkerung beeinflusste Blitz. Seine Arbeit der 1950er Jahre spiegelte die Folgen des Krieges und die Aussicht auf weitere Konflikte wider.
Moore wurde in Yorkshire geboren und studierte 1919 an der Leeds School of Art, nachdem er im Ersten Weltkrieg gedient hatte. 1921 erhielt er ein Stipendium am Royal College in London. Später unterrichtete er am Royal College sowie an der Chelsea School of Art. Ab 1940 lebte Moore in Perry Green in Hertfordshire, heute Heimat der Henry Moore Foundation. Auf der Biennale von Venedig 1948 gewann Moore den International Sculpture Award.

"Frank" - Chuck Close

"Frank" von Chuck Close, 1969. Acryl auf Leinwand. Größe 274,3 x 213,4 x 7,6 cm (108 x 84 x 3 Zoll). In dem Minneapolis Institute of Art.

Lucian Freud Selbstporträt und Fotoporträt

Der Künstler Lucian Freud ist bekannt für seinen intensiven, unversöhnlichen Blick, aber wie dieses Selbstporträt zeigt, dreht er es auf sich selbst, nicht nur auf seine Modelle.

1. "Ich denke, ein großartiges Porträt hat mit... zu tun. das Gefühl und die Individualität und die Intensität der Betrachtung und der Fokus auf das Spezifische. " ¹
2. "... du musst versuchen, dich als eine andere Person zu malen. Bei Selbstporträts wird „Ähnlichkeit“ zu einer anderen Sache. Ich muss tun, was ich fühle, ohne Expressionist zu sein. " ²

<sup>Quelle:
1. Lucian Freud, zitiert in Freud at Work, S. 32-3. 2. Lucian Freud zitiert in Lucian Freud von William Feaver (Tate Publishing, London 2002), S. 43.</sup>

"Der Vater von Mona Lisa" - Man Ray

"Der Vater von Mona Lisa" von Man Ray, 1967. Reproduktion einer Zeichnung auf Faserplatte mit Zigarre hinzugefügt. Größe 45,7 x 34,6 x 6,7 cm (18 x 13 5/8 x 2 5/8 Zoll). In der Sammlung der Hirshorn Museum.
Viele Menschen verbinden Man Ray nur mit Fotografie, aber er war auch Künstler und Maler. Er war mit dem Künstler Marcel Duchamp befreundet und arbeitete mit ihm zusammen.
Im Mai 1999 Kunstnachrichten Das Magazin hat Man Ray in seine Liste der 25 einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts aufgenommen, für seine Fotografie und "Erkundungen von Film, Malerei, Skulptur, Collage, Assemblage". Diese Prototypen würden schließlich Performancekunst und Konzeptkunst genannt. "

Art News sagte:

"Man Ray bot Künstlern in allen Medien ein Beispiel für kreative Intelligenz, die in ihrem 'Streben nach Vergnügen und Freiheit' [Man Rays erklärter Leitfaden Prinzipien] schloss jede Tür auf, zu der sie kam, und ging frei, wo sie wollte. "(Zitat Quelle: Art News, Mai 1999," Willful Provocateur "von AD Coleman.)

Dieses Stück "Der Vater von Mona Lisa" zeigt, wie eine relativ einfache Idee effektiv sein kann. Der schwierige Teil besteht darin, die Idee überhaupt erst zu entwickeln. manchmal kommen sie als ein Blitz der Inspiration; manchmal als Teil des Brainstormings von Ideen; manchmal durch die Entwicklung und Verfolgung eines Konzepts oder Gedankens.

Berühmte Maler: Yves Klein

Rückblick: Yves Klein Ausstellung im Hirshhorn Museum in Washington, USA, vom 20. Mai 2010 bis 12. September 2010.

Der Künstler Yves Klein ist wahrscheinlich am bekanntesten für seine monochromen Kunstwerke mit seinem speziellen Blau (siehe zum Beispiel "Living Paintbrush"). IKB oder International Klein Blue ist ein von ihm formuliertes Ultramarinblau.

Klein nannte sich "Maler des Raumes" und versuchte, immaterielle Spiritualität durch reine Farbe zu erreichen. Er beschäftigte sich mit den "zeitgenössischen Vorstellungen von der konzeptuellen Natur der Kunst".¹.

Klein hatte eine relativ kurze Karriere, weniger als zehn Jahre. Seine erste öffentliche Arbeit war ein Künstlerbuch Yves Peintures ("Yves Paintings"), veröffentlicht 1954. Seine erste öffentliche Ausstellung war 1955. Er starb 1962 im Alter von 34 Jahren an einem Herzinfarkt. (Zeitleiste von Kleins Leben von dem Yves Klein Archiv.)

<sub>Quelle:
1. Yves Klein: Mit der Leere, Vollmacht, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, abgerufen am 13. Mai 2010.</sub>

"Lebender Pinsel" - Yves Klein

Dieses Gemälde des französischen Künstlers Yves Klein (1928-1962) ist eine der Serien, in denen er "lebende Pinsel" verwendete. Er bedeckte nackte Frauenmodels mit seiner charakteristischen blauen Farbe (International) Klein Blue, IKB) und dann in einem Stück Performancekunst vor einem Publikum, das mit ihnen auf großen Blättern "gemalt" wurde, indem sie Regie führten mündlich.
Der Titel "ANT154" leitet sich aus einem Kommentar des Kunstkritikers Pierre Restany ab, der die Gemälde als "Anthropometrien der blauen Zeit" produziert. Klein verwendete das Akronym ANT als Serie Titel.

Schwarzes Gemälde - Ad Reinhardt

"Es ist etwas falsch, verantwortungslos und sinnlos an Farbe; etwas Unkontrollierbares. Kontrolle und Rationalität sind Teil meiner Moral. " - Ad Reinhard 1960 ¹

Dieses monochrome Gemälde des amerikanischen Künstlers Ad Reinhardt (1913-1967) befindet sich im Museum of Modern Art (Moma) in New York. Es ist 152,4 x 152,4 cm groß, Öl auf Leinwand und wurde 1960-61 gemalt. Während des letzten Jahrzehnts und eines Teils seines Lebens (er starb 1967) verwendete Reinhardt in seinen Gemälden nur Schwarz.
Amy Sia, der das Foto gemacht hat, sagt, dass der Platzanweiser darauf hinweist, wie das Gemälde in neun Quadrate aufgeteilt ist, von denen jedes einen anderen Schwarzton hat.
Mach dir keine Sorgen, wenn du es auf dem Foto nicht sehen kannst. Es ist schwer zu sehen, selbst wenn Sie vor dem Bild stehen. In ihr Aufsatz über Reinhardt Für das Guggenheim beschreibt Nancy Spector Reinhardts Leinwände als "gedämpfte schwarze Quadrate mit kaum erkennbaren kreuzförmigen Formen, die die Grenzen der Sichtbarkeit herausfordern". ².
<sup>Quelle:
1. Farbe in der Kunst von John Gage, S. 205
2. Reinhardt von Nancy Spector, Guggenheim Museum (Zugriff 5. August 2013)</sup>

John Virtues Londoner Gemälde

Der britische Künstler John Virtue malt seit 1978 abstrahierte Landschaften nur in Schwarzweiß. Auf einer von der London National Gallery produzierten DVD sagt Virtue, dass die Arbeit in Schwarzweiß ihn zwinge, "erfinderisch zu sein... neu zu erfinden". Farbe meiden "vertieft sich Mein Gefühl dafür, welche Farbe es gibt... Das Gefühl für das, was ich tatsächlich sehe... ist am besten und genauer und wird besser vermittelt, wenn ich keine Ölpalette habe Farbe. Die Farbe wäre eine Sackgasse. "
Dies ist eines von John Virtues Londoner Gemälden, das er als Associate Artist in der National Gallery (von 2003 bis 2005) gemalt hat. Das Website der Nationalgalerie beschreibt Tuges Gemälde als "verwandt mit orientalischer Pinselmalerei und amerikanischem abstraktem Expressionismus" und in enger Beziehung zu "den großen Engländern" Landschaftsmaler, Turner und Constable, die Tugend enorm bewundert "und von den" niederländischen und flämischen Landschaften Ruisdael, Koninck und "beeinflusst werden Rubens ".
Tugend gibt seinen Gemälden keine Titel, nur Zahlen. In einem Interview in der April 2005 Ausgabe von Künstler und Illustratoren Laut Virtue begann er 1978, seine Arbeit chronologisch zu nummerieren, als er anfing, monochrom zu arbeiten:

"Es gibt keine Hierarchie. Es ist egal, ob es 28 Fuß oder drei Zoll ist. Es ist ein nonverbales Tagebuch meiner Existenz. "

Seine Bilder heißen lediglich "Landschaft Nr. 45" oder "Landschaft Nr. 630" und so weiter.

Der Kunstbehälter - Michael Landy

Die Art Bin Ausstellung des Künstlers Michael Landy fand im statt South London Gallery vom 29. Januar bis 14. März 2010. Das Konzept ist enorm (600m³) Mülleimer in den Galerieraum eingebaut, in dem Kunst weggeworfen wird, "ein Denkmal für kreatives Versagen"¹.
Aber nicht irgendeine alte Kunst; Sie mussten sich bewerben, um Ihre Kunst entweder online oder in der Galerie in den Papierkorb zu werfen. Michael Landy oder einer seiner Vertreter entschieden, ob sie aufgenommen werden konnten oder nicht. Wenn es akzeptiert wurde, wurde es von einem Turm an einem Ende in den Mülleimer geworfen.

Als ich auf der Ausstellung war, wurden mehrere Stücke hineingeworfen, und die Person, die das Werfen ausführte, hatte es getan viel Übung von der Art und Weise, wie er ein Gemälde direkt auf die andere Seite des Bildes gleiten lassen konnte Container.
Die Kunstinterpretation geht den Weg, wann / warum Kunst als gut (oder Müll) angesehen wird, die Subjektivität in der Wert, der der Kunst zugeschrieben wird, dem Akt des Kunstsammelns, der Macht von Kunstsammlern und Galerien, Künstler zu machen oder zu brechen Karriere.

Es war sicherlich interessant, an den Seiten entlang zu gehen und zu sehen, was hineingeworfen worden war, was zerbrochen war (viele Styroporstücke) und was nicht (die meisten Gemälde auf Leinwand waren ganz). Irgendwo unten befand sich ein großer Schädeldruck, der von Damien Hirst mit Glas verziert war, und ein Stück von Tracey Emin. Letztendlich könnte das, was sein könnte, recycelt werden (zum Beispiel Papier- und Leinenbahren) und der Rest soll auf die Mülldeponie gelangen. Als Müll begraben, wahrscheinlich nicht in Jahrhunderten von einem Archäologen ausgegraben.

_{Quelle:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), Website der South London Gallery, abgerufen am 13. März 2010.}

Barack Obama - Shepard Fairey

Dieses Gemälde des US-Politikers Barack Obama, eine Collage mit Schablonen aus gemischten Medien, wurde von dem in Los Angeles ansässigen Straßenkünstler erstellt. Shepard Fairey. Es war das zentrale Porträtbild, das im Präsidentschaftswahlkampf 2008 von Obama verwendet und als Druck in limitierter Auflage und als kostenloser Download verteilt wurde. Es befindet sich jetzt in der National Portrait Gallery in Washington DC.

1. "Um sein Obama-Poster zu erstellen (was er in weniger als einer Woche getan hat), hat Fairey ein Nachrichtenfoto des Kandidaten aus dem Internet geholt. Er suchte einen Obama, der präsidial aussah... Der Künstler vereinfachte dann die Linien und die Geometrie, indem er eine patriotische Palette aus Rot, Weiß und Blau verwendete (mit der er spielt, indem er das Weiß zu einem Beige und das Blau zu einem Pastellton macht)... fettgedruckte Wörter ...
2. "Seine Obama-Plakate (und viele seiner kommerziellen und bildenden Kunstwerke) sind Überarbeitungen der Techniken von revolutionäre Propagandisten - die leuchtenden Farben, die kühne Schrift, die geometrische Einfachheit und die heldenhaften Posen. "

Quelle: ​
"Obamas Bestätigung an der Wand" von William Booth, Washington Post 18. Mai 2008.

"Requiem, weiße Rosen und Schmetterlinge" - Damien Hirst

Der britische Künstler Damien Hirst ist am bekanntesten für seine in Formaldehyd konservierten Tiere, kehrte aber Anfang 40 zum Ölgemälde zurück. Im Oktober 2009 stellte er erstmals in London zwischen 2006 und 2008 entstandene Gemälde aus. Dies ist ein Beispiel für ein noch nicht berühmtes Gemälde eines berühmten Künstlers Ausstellung in der Wallace Collection in London mit dem Titel "No Love Lost". (Daten: 12. Oktober 2009 bis 24. Januar 2010.)
BBC News zitierte Hirst mit den Worten.

"Er malt jetzt nur noch von Hand", dass seine "Bilder zwei Jahre lang peinlich waren und ich nicht wollte Jeder, der reinkam. "und dass er" zum ersten Mal seit seiner Jugend wieder malen lernen musste Student."¹

In der Pressemitteilung zur Wallace-Ausstellung heißt es:

"'Blue Paintings' zeugen von einer kühnen neuen Richtung in seiner Arbeit; eine Reihe von Gemälden, die nach den Worten des Künstlers "tief mit der Vergangenheit verbunden" sind. "

Das Aufbringen von Farbe auf Leinwand ist sicherlich eine neue Richtung für Hirst, und wo Hirst hingeht, werden wahrscheinlich Kunststudenten folgen. Ölgemälde könnten wieder in Mode kommen.
Laura Porter, der Reiseführer von About.com für London Travel, ging zur Pressevorschau von Hirsts Ausstellung und erhielt eine Antwort auf die eine Frage, die ich unbedingt wissen wollte: Welche blauen Pigmente verwendete er?

Laura wurde gesagt, es sei "Preußischblau für alle außer einem der 25 Gemälde, das schwarz ist. "Kein Wunder, dass es so ein dunkles, schwelendes Blau ist!
Kunstkritiker Adrian Searle von Der Wächter war nicht sehr günstig über Hirsts Gemälde:

"Im schlimmsten Fall sieht Hirsts Zeichnung nur amateurhaft und jugendlich aus. Seiner Pinselführung fehlt der Schwung, der Sie an die Lügen des Malers glauben lässt. Er kann es noch nicht wegtragen. "²

<sub>Quelle:
1 Hirst 'gibt eingelegte Tiere auf', BBC News, 1. Oktober 2009
2. "Damien Hirsts Gemälde sind tödlich langweilig"Adrian Searle, Wächter, 14. Oktober 2009.</sub>

Berühmte Künstler: Antony Gormley

Antony Gormley ist ein britischer Künstler, der vielleicht am bekanntesten für seine Skulptur Angel of the North ist, die 1998 enthüllt wurde. Es befindet sich in Tyneside im Nordosten Englands an einem Ort, der einst eine Zeche war, und heißt Sie mit seinen 54 Meter breiten Flügeln willkommen.
Im Juli 2009 sah Gormleys Installationskunstwerk auf dem vierten Sockel am Trafalgar Square in London einen Freiwilligen 100 Tage lang 24 Stunden am Tag eine Stunde lang auf dem Sockel stehen. Im Gegensatz zu den anderen Sockeln auf dem Trafalgar Square befindet sich auf dem vierten Sockel direkt vor der Nationalgalerie keine permanente Statue. Einige der Teilnehmer waren selbst Künstler und skizzierten ihren ungewöhnlichen Standpunkt (Foto).
Antony Gormley wurde 1950 in London geboren. Er studierte an verschiedenen Colleges in Großbritannien und Buddhismus in Indien und Sri Lanka, bevor er sich zwischen 1977 und 1979 an der Slade School of Art in London auf Skulptur konzentrierte. Seine erste Einzelausstellung fand 1981 in der Whitechapel Art Gallery statt. 1994 gewann Gormley mit seinem "Field for the British Isles" den Turner-Preis.
Seine Biographie über seine Webseite sagt:

... Antony Gormley hat das menschliche Bild in der Skulptur durch eine radikale Untersuchung des Körpers als Ort der Erinnerung und Transformation unter Verwendung seines eigenen Körpers als Subjekt, Werkzeug und Material wiederbelebt. Seit 1990 hat er seine Beschäftigung mit dem menschlichen Zustand erweitert, um den kollektiven Körper und die Beziehung zwischen sich selbst und anderen in großformatigen Installationen zu erforschen ...

Gormley kreiert nicht die Art von Figur, die er macht, weil er keine Statuen im traditionellen Stil machen kann. Vielmehr freut er sich über den Unterschied und die Fähigkeit, die sie uns geben, um sie zu interpretieren. In einem Interview mit Die Zeiten¹, er sagte:

"Bei traditionellen Statuen geht es nicht um Potenzial, sondern um etwas, das bereits vollständig ist. Sie haben eine moralische Autorität, die eher bedrückend als kollaborativ ist. Meine Werke erkennen ihre Leere an. "

^{Quelle:
Antony Gormley, der Mann, der die Form gebrochen hat von John-Paul Flintoff, The Times, 2. März 2008.}

Berühmte zeitgenössische britische Maler

Von links nach rechts, Künstler Bob und Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeund Alison Watt.
Anlass war eine Besichtigung des Gemäldes Diana und Actaeon von Tizian (unsichtbar links) in der National Gallery in London mit dem Ziel, Spenden für den Kauf des Gemäldes für die Galerie zu sammeln.

Berühmte Künstler: Lee Krasner und Jackson Pollock

Von diesen beiden Malern Jackson Pollock ist berühmter als Lee Krasner, aber ohne ihre Unterstützung und Förderung seiner Kunstwerke hat er möglicherweise nicht den Platz in der Kunstzeitleiste, die er hat. Beide in einem abstrakten expressionistischen Stil gemalt. Krasner kämpfte selbst um kritische Anerkennung, anstatt nur als Pollocks Frau angesehen zu werden. Krasner hinterließ ein Vermächtnis, um die Pollock-Krasner-Stiftung, die bildenden Künstlern Stipendien gewährt.

Leiter Staffelei von Louis Aston Knight

Louis Aston Knight (1873–1948) war ein in Paris geborener amerikanischer Künstler, der für seine Landschaftsbilder bekannt war. Er trainierte zunächst bei seinem Künstlervater Daniel Ridgway Knight. Er stellte 1894 zum ersten Mal im französischen Salon aus und tat dies sein ganzes Leben lang, während er auch in Amerika Anerkennung fand. Sein Gemälde Das Nachglühen wurde 1922 vom US-Präsidenten Warren Harding für das Weiße Haus gekauft.
Dieses Foto von der Archiv für amerikanische KunstLeider gibt uns kein Ort, aber man muss denken, dass jeder Künstler bereit ist, sich hineinzuwaten Das Wasser mit seiner Staffelei-Leiter und den Farben war entweder sehr der Naturbeobachtung gewidmet oder ganz der Natur Showman.

1897: Eine Kunstklasse für Frauen

Dieses Foto von 1897 aus dem Archiv für amerikanische Kunst zeigt einen Kunstkurs für Frauen mit dem Ausbilder William Merritt Chase. In dieser Zeit besuchten Männer und Frauen Kunstkurse getrennt, wo Frauen aufgrund der Zeit das Glück hatten, überhaupt eine Kunstausbildung zu erhalten.

Kunstsommerschule um 1900

Kunststudenten der Sommerkurse der St. Paul School of Fine Arts in Mendota, Minnesota, wurden um 1900 mit dem Lehrer Burt Harwood fotografiert.
Abgesehen von der Mode sind große Sonnenhüte sehr praktisch für Malen im Freien da es die Sonne von Ihren Augen fernhält und verhindert, dass Ihr Gesicht sonnenverbrannt wird (wie auch ein langärmeliges Oberteil).

"Nelsons Flaschenschiff" - Yinka Shonibar

Manchmal ist es die Skala eines Kunstwerks, die eine dramatische Wirkung erzielt, weit mehr als das Thema. "Nelsons Flaschenschiff" von Yinka Shonibar ist so ein Stück.

"Nelsons Schiff in einer Flasche" von Yinka Shonibar ist ein 2,35 Meter hohes Schiff in einer noch größeren Flasche. Es ist eine Nachbildung von Vizeadmiral Nelsons Flaggschiff HMS im Maßstab 1:29 Sieg.
"Nelsons Schiff in einer Flasche" erschien am 24. Mai 2010 auf dem vierten Sockel am Trafalgar Square in London. Der vierte Sockel stand von 1841 bis 1999 leer, als der erste einer fortlaufenden Reihe zeitgenössischer Kunstwerke von der Vierte Sockel-Inbetriebnahmegruppe.
Das Kunstwerk vor "Nelsons Schiff in einer Flasche" war One & Other von Antony Gormley, in dem eine andere Person eine Stunde lang rund um die Uhr 100 Tage lang auf dem Sockel stand.
Von 2005 bis 2007 konnte man eine Skulptur von Marc Quinn sehen, Alison Lapper schwangerund ab November 2007 war es Model for a Hotel 2007 von Thomas Schutte.
Die Batik-Designs auf den Segeln von "Nelsons Schiff in einer Flasche" wurden vom Künstler von Hand auf Leinwand gedruckt, inspiriert von Stoffen aus Afrika und seiner Geschichte. Die Flasche ist 5 x 2,8 Meter groß und besteht aus Plexiglas, nicht aus Glas. Die Flaschenöffnung ist groß genug, um nach innen zu klettern und das Schiff zu bauen.